Silvia Mei

REINCARNATI IN NATURA

a cura di Carolina Lio

dal 21 aprile al 12 maggio 2012

INAUGURAZIONE: sabato 21 aprile ore 18:30

Sabato 21 aprile alle ore 18.30 l’Underdogstudio di Modena presenta ReIncarnati in Natura, prima mostra personale di Silvia Mei. L’artista, tra i vincitori della prima edizione del Premio O.R.A., esporrà una serie di opere recenti in bilico tra ironia, poesia e violenza.

Scrive Carolina Lio nel testo di presentazione alla mostra: (…) Silvia Mei cerca di costruire un essere che tende all'infinito dell'errore, seppellendo l'immagine mediatica perfetta e plastica dell'uomo di oggi e riportandolo a nuova vita, "reincarnandolo in natura", ovvero restituendogli le imperfezioni, la deformità, i caratteri disarmonici, ridando dignità a quella bruttezza caotica del mondo grezzo, nudo e crudo, che agendo in modo casuale e non calcolato vive in un caos creativo dove la forma delle cose è solo una delle tante combinazioni possibili e non un progetto preciso. Naturalmente questa umanità così poco curata da essere senza dubbi selvatica, vive in una natura anarchica, senza tracce di urbanizzazione, lontano da ogni tipologia di civiltà così come viene comunemente intesa. I suoi personaggi sembrano una comunità di freaks, di lebbrosi, di emarginati sociali, in esilio nei boschi, dove mimano senza ben ricordarle le regole del mondo.

Agnese Guido / Stefano Serusi

TRAME PARALLELE

a cura di Andrea Lacarpia

dal 17 marzo al 7 aprile 2012

INAUGURAZIONE: sabato 17 marzo ore 18:30

Sabato 17 marzo alle 18:30 l’Underdogstudio di Modena inaugura TRAME PARALLELE, doppia personale di Agnese Guido e Stefano Serusi, a cura di Andrea Lacarpia.

TRAME PARALLELE è il primo appuntamento di un ciclo di mostre che, con cadenza irregolare e in location diverse, vedrà protagonisti due artisti le cui ricerche possano contaminarsi e dialogare trasversalmente, mantenendo al contempo intatte le proprie specificità linguistiche.

Quando si ha a che fare con l'opera di un artista, si aprono diverse possibili fruizioni: si può utilizzare un freddo punto di vista formale, magari sfoderando la propria erudizione in materia, oppure optare per una lettura più legata al sentimento e all'interiorità. Entrambe le modalità sono valide, dato che ogni opera è un'intreccio di motivazioni interiori e scelte estetiche, ma spesso la prevalenza della cura formale fa sì che tutto si riduca ad un'automatica ripetizione di codici stilistici già noti e accettati.

Agnese Guido e Stefano Serusi utilizzano mezzi espressivi differenti, pittura istintiva e gestuale l’una, assemblaggio e ricontestualizzazione di oggetti ed immagini preesistenti l'altro, ma con un'affine libertà nel modificare la forma del proprio linguaggio in modo fluido, per raccontare il proprio essere al mondo senza vincoli e preconfezionamenti. La mostra si delinea come il punto d'incontro e quasi di sovrapposizione delle ricerche di entrambi gli artisti, dalla simile propensione all'atteggiamento romantico di mitizzazione dei moti interiori, ai quali le forme si adeguano in una dinamica metamorfosi. Una parte dello spazio dell'Underdogstudio viene letteralmente invasa dall'installazione di Agnese Guido “Tua madre non spruzzava il profumo nell'aria e ci passava dentro?”, un ambiente tappezzato da carte dipinte, allestite e sovrapposte liberamente sulle pareti, come fossero giganti block notes nei quali l'artista ha appuntato le proprie visioni. Sogni e quotidianità si confondono, combinati e descritti con immediatezza come frammenti di realtà, vissuta con veloce e vorace intensità. Tra le carte dipinte, un cuscino accoglie un cioccolatino e potenzia la dimensione quasi domestica dell'ambiente, mentre il poster con il titolo dell'installazione, stampato a grandi lettere come fosse un manifesto, ribadisce l'aspetto narrativo ed anarchico, un gioco nel quale nulla viene preso troppo sul serio. Più riflessivo è invece l'approccio di Stefano Serusi, il quale presenta un gruppo di opere  di piccolo formato, suggestioni e frammenti legati alla dicotomia resa – aggressività, indagata nei suoi aspetti personali e sociali. La serie Introbio presenta personaggi che appaiono immersi nelle loro attività; le stampe, e le cornici che le contengono, sono ricoperte da un pattern mimetico semitrasparente, che rimanda all'aggressività militare, bilanciata dalla rassicurante colorazione azzurra delle macchie. Gli stereotipi di bellezza e femminilità vengono ribaltati nell'opera "Barbara nella folla", composta da un mattone avvolto da un foulard annodato, corpo del reato che documenta l'atto violento attuato da una donna spinta dai propri ideali. Ad un personaggio maschile è invece associato il messaggio di "Lorca in italiano": un basco ospita frammenti delle poesie di Garcia Lorca, ritagli che sembrano nascosti per superare la censura. Infine, "Thank you for the Modernism" ritrae un elegante giovane in abiti indiani,  foto d’epoca dal raffinato esotismo, che l’artista ha scelto di accostare all’opera di Carlo Spiga in cui compare una scena di lotta.

Frammenti di immagini, parole e oggetti appartenenti all'esperienza dei due artisti convivono e dialogano, senza ideologie, aprendo il processo creativo a nuovi e inattesi sviluppi. (Andrea Lacarpia)

* UNDERDOGSTUDIO + PITTURA PUNK

In occasione della mostra ci sarà la presentazione del numero zero del free press PITTURA PUNK a cura di Michael Rotondi con testi di Olga Sgobio.

FABLES OF DECONSTRUCTION

Chen Li / Andrea Palamà

testo critico di Giovanni Matteo

dal 26 novembre al 22 dicembre 2011

INAUGURAZIONE Sabato 26 novembre ore 18.00

Il rapporto tra uomo, arte e natura potrebbe essere la chiave di lettura più immediata per confrontarsi con i lavori di Andrea Palamà e di Chen Li che, utilizzando lo stesso mezzo, quello della pittura - e con un atteggiamento apparentemente simile - ne interpretano in realtà due polarità opposte. 

Il percorso di Andrea Palamà si inscrive nel cammino storico dell'arte occidentale, che ha sempre guardato alla natura con meraviglia ma anche con diffidenza, considerandola come altro dall'uomo, oggetto di studio, rappresentazione, riflessione, proiezione. La terra, le acque, il cielo, la vegetazione, sono evocate dalle sue pennellate dagli accostamenti cromatici inattesi eppure armoniosi, ma l'artista fa emergere in questo intrico, talvolta in modo subdolo, l'uomo. E lo fa tracciando deboli ma riconoscibili segni della sua presenza: figure, silouette, fragili segni di antropizzazione. Non a caso gli abitanti umani delle sue tele si presentano con l'apparato iconografico del viaggiatore, dell'esploratore, del cacciatore.

Chen Li, pur essendo saldamente ancorata alle istanze della pittura contemporanea europea, tradisce una consapevolezza profondamente orientale nel riconoscere la natura come maestra. L'artista non rappresenta la natura ma si identifica con essa, agisce come lei: i suoi verdi, i suoi grigi, le sue pennellate ampie e corpose sono natura. Suggeriscono profumi, suoni, sensazioni tattili. Si espandono seguendo i ritmi e la musicalità imprevedibile della vegetazione e della terra. 

Anche nella pittura di Chen balenano di tanto in tanto corpi estranei, in cui si possono riconoscere quelle che potrebbero sembrare presenze umane o animali ma che sono, più credibilmente, frammenti del percorso millenario dell'arte come rappresentazione. Forse sono semplicemente figure. Che la pittura di Chen - come fa la natura con i nostri ruderi - avvolge, accoglie, assorbe.

Giovanni Matteo

DIES IRAE

Emanuele Puzziello

Testo critico di Giovanni Matteo

dal 22 ottobre al 19 novembre

INAUGURAZIONE: sabato 22 ottobre ore 18:00

Sabato 22 ottobre alle 18:00, l’Underdogstudio di Modena inaugura DIES IRAE, prima personale modenese di Emanuele Puzziello, giovane artista pugliese la cui ricerca gravita nell’ambito di una pittura figurativa atemporale, mediata attraverso l’esperienza della contemporaneità.

Dies irae, il giorno dell'ira, quello in cui Dio formatterà il nostro mondo, ma anche il giorno in cui “quidquid latet, apparebit”, il giorno della rivelazione assoluta e definitiva dell'arcano.

Nonostante i toni (appropriatamente apocalittici) della composizione medievale da cui Emanuele Puzziello ha tratto il titolo della sua personale, da questi versi non sembrano trasparire terrore o angoscia, ma una sorta di ansia venata di esaltazione, forse per l'urgenza di toccare la verità nascosta dietro la materia che va finalmente sgretolandosi.

Le tappe del cammino interiore dell'artista corrispondono alle scelte che contraddistinguono la sua produzione degli ultimi anni.

La ricerca dello shock attraverso accostamenti inusuali, violenti, offensivi – come in “Disciplina”, in cui delinea un “bobby” londinese armato di sex toys – riflette la volontà di divergere dalla realtà quotidiana per guardare oltre, superare le codificazioni che escludono tutto quello che nell'uomo è profondo, imperscrutabile, inatteso.

Nella serie “Stato di Alterazione” il pittore cerca di cogliere testimonianze di una verità invisibile nello sguardo allucinato di una suora in preda ad un'isteria misticheggiante, nel volto affondato tra le mani giunte di un orante, nell'aura grigiastra emanata da un penitente.

La produzione più recente testimonia il passaggio dell'artista dall'altra parte, oltre la realtà distorta ad arte per farla traballare, dietro lo sguardo del mistico... Davanti alla visione, ma senza l'abbandono dell'estasi, impugnando l'arma della pittura, che si configura infine come mezzo e contemporaneamente manifestazione dell'assidua ricerca di una verità che vada oltre il visibile.

Se una più generica spinta verso lo spirituale si era precedentemente espressa nel suo lavoro attraverso la messa in opera di rappresentazioni monolitiche, in cui un vero e proprio “soggetto”, con il suo apparato di simboli ed attributi, domina lo spazio compositivo come nelle icone bizantine, nei lavori più recenti il pittore rinuncia a rigide strutturazioni per vomitare sulla tela immagini complesse e fluide allo stesso tempo. Figure umane, creature mostruose, paesaggi naturali confluiscono disinvoltamente nello spazio del dipinto che diventa una dimensione parallela in cui le figure si svestono dei loro valori simbolici ed estetici consolidati per raggiungere un reciproco equilibrio completamente inedito.

In “Crepuscolo e Gloria” una sorta di crocifisso nudo e levitante si eleva e si espande nelle sue cromie morbide, calde e pulsanti al di sopra di una folla che si agita convulsamente, descritta con tinte fangose e pennellate affiancate e sovrapposte con una violenza sapientemente compressa.

In “Melancolia” Emanuele sembra attuare il dispositivo della “ridondanza dello sguardo” ampiamente sperimentato da Friederich nei suoi paesaggi: lo spettatore reale si ritrova alle spalle degli spettatori dipinti e può osservare la scena dalla loro stessa prospettiva. Accade, però, che qualunque processo di identificazione salti, insieme alle speranze di scovare il sublime. Forse perché la ragazzina si gira verso lo spettatore, distogliendo lo sguardo dalla scena, forse perché non siamo di fronte ad un desertico ed evocativo paesaggio alla Friederich ma ad un'enorme testa dormiente che giace capovolta al suolo.

È l'inaspettato che l'artista evoca, mentre si confronta con la complessità, mettendo in gioco la sua cultura e la sua esperienza nella pratica pittorica.

Manca in questi lavori qualunque riferimento all'esperienza comune o quotidiana e non sono evidenti richiami iconografici alla storia dell'arte né alla cultura visiva popolare, eppure non siamo di fronte ad immagini ipnagogiche, né a visioni lisergiche: Emanuele non cerca di stupire o di concentrarsi su un suo mondo privato, ma allo stesso tempo non auspica uno sconfinamento del ruolo del fruitore perché si attui una forma di comunicazione tra la realtà esterna e quella interna al quadro. Questi lavori sono enunciati chiusi, incomprensibili ad un processo di lettura attuato secondo un sistema di segni condiviso, immediatamente intuibili se accettati come piccole, sottili illuminazioni.

Giovanni Matteo

L' Underdogstudio nella giuria di Premio O.R.A.

Il Premio O.R.A. è rivolto a tutti gli artisti senza limiti di età, nazionalità e mezzo espressivo. E' nato per offrire opportunità solide all'interno del sistema dell'arte italiano e per creare contatti reali e concreti tra gli artisti e alcune delle gallerie più attive su tutto il suolo nazionale.

Una giuria di ben 20 gallerie, coordinate da una supervisione curatoriale di Carolina Lio, valuteranno direttamente tutte le opere iscritte e sceglieranno ciascuna un artista a cui sarà dedicata una mostra personale nei loro spazi.

I 20 vincitori avranno, quindi, la possibilità di essere contattati da galleristi realmente interessati al loro lavoro e di realizzare il proprio progetto espositivo completo di parte critica, comunicazione e gestione commerciale, comparendo inoltre sul catalogo finale del premio.

Le iscrizioni sono aperte fino al 15 Ottobre 2011


Visita il sito  http://www.premio-ora.it/giuria

SPAZIO VITALE _ lebensraum

Luigi Massari, Andrea Palamà, Emanuele Puzziello, Patrizia Emma Scialpi

a cura di Luiza Samanda Turrini

dal 16 settembre  al 15 ottobre 2011

INAUGURAZIONE: Venerdì 16 settembre ore 18:00

L’Underdogstudio inaugura la nuova stagione espositiva aderendo al programma del Festival della Filosofia sul tema della Natura.
Venerdì 16 settembre alle 18:00, Luigi Massari, Andrea Palamà, Emanuele Puzziello e Patrizia Emma Scialpi presentano SPAZIO VITALE_lebensraum.

Lo spazio vitale è un concetto dell’etologia, sulla gestione del proprio habitat. Quest’idea passa dalla biogeografia alla geopolitica, viene estremizzata e diventa lebensraum, quello che il Reich nazista deve crearsi a scapito delle nazioni confinanti.

Underdogstudio mostra come ogni spazio vitale sia effimero, e come ogni ciclo si chiuda con la morte.

Scrive Luiza Samanda Turrini nel testo di presentazione alla  mostra: (…) I corpi umani cambiano di stato e di status, ponendo le basi della catena alimentare di cui si sentono al vertice. Non c’è potere che tenga, tutte le scale gerarchiche vengono scompaginate.

Vegetale è considerato il contrario di animale, eppure le trachee e i condotti venosi sembrano reticoli di rizomi, incuneati nell’albero del corpo. Animale è considerato contrario di umano, ma nel rito di passaggio emergono i limiti dell’umano e la necessità di qualcos’altro che lo integri.

Dipinti su carta e su tela, fotografie e disegni. Installazioni di materiali eterogenei, fitte, competitive, fitomorfe. In sviluppo verticale come un rampicante, impegnate in un serrato dialogo con le suggestive immagini create dai quattro artisti.


http://www.festivalfilosofia.it/2011/underdogstudio

11 giugno / 2 luglio 2011
CUORE DI CANE
Enrica Berselli, Camme, Francesco Cuna, Pasquale De Sensi, Salvatore Masciullo, Giovanni Matteo, Andrea Palamà, Cosimo Piediscalzi, Emanuele Puzziello, Patrizia Emma Scialpi, Marcello Tedesco, Giulio Zanet

Inaugurazione Sabato 11 giugno 2011 ore 19:00

Sabato 11 giugno alle 19:00 l’Underdogstudio di Modena inaugura CUORE DI CANE, progetto collettivo che vede coinvolti dodici giovani artisti italiani le cui personali ricerche tracciano percorsi tra loro dissonanti, spaziando con disinvoltura dalla pittura al collage, dal disegno alla fotografia digitale.

UNDERDOG (sottocane / perdente in partenza) è un termine comunemente usato nel gergo delle scommesse sportive: indica il partecipante ad una competizione o ad un concorso che è ritenuto un perdente scontato. Il team o l’individuo previsto come vincitore è chiamato top-dog. Nei rari casi in cui un underdog vinca, il risultato è definito upset (sconvolgimento). 

L’Underdostudio gioca a rimescolare semanticamente e concettualmente la propria identità, invitando gli artisti a reinterpretare il simbolo dello spazio espositivo: una creatura ibrida uomo-cane, ad un tempo metafora della condizione umana nella società attuale e allegoria dello status di outsider all'interno del sistema ufficiale dell'arte.
Partendo da questa suggestione il progetto è stato intitolato CUORE DI CANE, come l'omonimo romanzo di Michail Bulgakov, storia della trasformazione chirurgica di un cane in un uomo, con chiaro intento parodico e satirico nei confronti della società sovietica di quegli anni.

(...)"Mai più uomini, altro da essi, lanceranno i loro eserciti alla conquista di una nuova identità umana, o forse solo per attestare il caleidoscopico canile che la società è diventata, in preda a salivazioni pavloviane di fronte a consumismi e sete di potere.

E non è forse che di notte i latrati s’alzano lunghi senza più frontiere e nessuno può star più certo che si tratti soltanto di cani?"

Gioia Perrone

Luigi Massari

DIMMI/DAMMI/COMANDA

a cura di Martina Colajanni

dal 29 aprile al 21 maggio 2011

Underdogstudio - Modena

OPENING: venerdì 29 aprile ore 18:30

L'artista esporrà una serie di dipinti su carta realizzati tra il 2010 e il 2011 che si configurano nella loro totalità come un'unica opera in costante espansione, per la quale non è necessariamente prevista una fine.

Una sequenza di appunti, ritratti e visioni in stretta e reciproca connessione, inevitabilmente legate alla matrice/realtà che contribuisce a generarle.

Scrive Martina Colajanni nel testo di presentazione della mostra: "(...) Il lavoro di Luigi Massari si ispira al nome di un gioco diffuso tra gli infanti, ma che solo ora si arricchisce di nuovi significati.

L'espediente ludico risuona quindi come una nota stonata all'interno di una melodia nella quale siamo, si, corde in grado di vibrare ma, allo stesso tempo, in procinto di spezzarsi".

 

 

 



STO* DISEGNANDO!!!

Un* opera collettiva di Michael Rotondi

dal 12 marzo al 9 aprile 2011

Underdogstudio – Modena

Inaugurazione: Sabato 12 marzo ore 18:00

STO* DISEGNANDO!!! è un’opera collettiva nata dall’iniziativa dell’artista livornese Michael  Rotondi, cha ha coinvolto quaranta artisti italiani e stranieri chiamati ad esprimersi attraverso la tecnica antica e modernissima del disegno.

L’installazione è composta dalla totalità dei lavori, realizzati rigorosamente su fogli A4 verticali, in bianco e nero, incorniciati a piacere, che compongono un puzzle di opere dialoganti tra loro e in reciproca connessione con il disegno di Rotondi.

Scrive l’autore: “Ultimamente il mio lavoro riflette ed analizza il rapporto tra tradizione popolare, ricordo personale e musica contemporanea e per questo progetto mi sono concentrato sulla comunità, l’autoproduzione ed il readymade, facendo mia anche l’opera di un altro.”

STO* DISEGNANDO!!! è in tournèe come una band musicale indie, in spazi spesso non convenzionali, dove l’installazione, messa in valigia, viaggia con l’autore insieme al catalogo/fanzine del progetto.

Opere di: 108, Andreco, Silvia Argiolas, Felipe Cardena, Jacopo Casadei, Diego Cinquegrana, Paolo De Biasi, Dem, Marco Demis, Nicola Di Caprio, Angelo Di Dedda, Emiliano Di Mauro, Alessandro Di Pietro, Pierpaolo Febbo, Svitlana Grebenyuk , Agnese Guido, Massimo Gurnari, Leeza Hooper, Giacomo Iasilli, Maba, Luigi Massari, Yari Miele, Bartolomeo Migliore, Elena Monzo, Isabella Nazzari, Ozmo, Marco Pagliardi, Andrea Palamà, Federica Pamio, Simone Panzeri, Laurina Paperina, Emanuele Puzziello, Thomas Raimondi, Michael Rotondi, Laboratorio Saccardi, Patrizia Emma Scialpi, Raffaele Semeraro, Marcello Tedesco, Riccardo Zanotti, Luca Zedone Nespolon

HORSE LATITUDES

Jacopo Casadei / Rudy Cremonini   

testo critico di Gian Ruggero Manzoni

dal 12 febbraio al 5 marzo 2011

 

Vernissage Sabato 12 febbraio ore 18:00

Underdogstudio presenta HORSE LATITUDES, doppia personale di Jacopo Casadei e Rudy Cremonini.

Gli artisti esporranno due tele inedite di grandi dimensioni, realizzate appositamente per l’evento in una serie di sessioni di lavoro comuni, direttamente all’interno degli spazi angusti dell’Underdogstudio.

Accanto ad una ridotta selezione di lavori più piccoli, le due opere si fronteggeranno su pareti opposte, indotte a dialogare in uno scambio trasversale che includa lo sguardo dello spettatore nel tessuto stesso dei dipinti.

Anticamente il termine HORSE LATITUDES (latitudini del cavallo) indicava un’area dell'Atlantico meridionale, subito a sud delle calme acque equatoriali, dove i venti erano estremamente deboli, di direzioni contrastanti e variabili. Per le imbarcazioni di allora era una fascia molto difficile da superare e richiedeva spesso soste prolungate di settimane.

Date le scarse scorte di acqua potabile che poteva imbarcare un veliero, a volte l’equipaggio era costretto per poter sopravvivere, a gettare in mare i cavalli destinandoli a morte certa, ma recuperando così la loro razione di acqua.

Questa zona di drammatica incertezza  e sospensione temporale dell’azione, rimanda al luogo immateriale della creazione artistica: un’apertura accidentale di possibilità densa di suggestioni, nella quale Cremonini e Casadei incrociano i loro flussi creativi disarticolando e poi rimodulando gli assiomi del proprio personale alfabeto pittorico.

Scrive Gian Ruggero Manzoni nel testo di presentazione alla mostra:  (…) l’odierna pittura visionaria (di cui Casadei e Cremonini sono artefici), per produrre le sue “illusioni”, fa perno sul simulacro (di un reale) inteso in questo modo: una figura complessa che comprende lo stesso spettatore, che si muove attorno e dentro l’opera, con le sue ansie, i suoi timori, le sue emozioni,  così che immagine e percezione della stessa vadano a creare quel ‘vero’ che poi ritroviamo nel vivere (spesso angosciante) che i media ci regalano giornalmente… perché “orrorifica e spettrale è pur sempre l’indole umana”, così che a noi non rimane che convivere con essa, senza spaventarci quando ci vediamo riflessi in uno specchio.

MONDO CANDIDO

secret show*

Luigi Massari  Andrea Palamà  Luciano Bormann

Cosimo Piediscalzi  Emanuele Puzziello

Patrizia Emma Scialpi 

 *Sabato 18 Dicembre ore 18:00

UBIQUO 

Cosimo Piediscalzi Solo Show
13 novembre - 11 dicembre 2010

Dal13 novembre al 11 dicembre Underdostudio ospita UBIQUO, mostra personale di Cosimo Piediscalzi, che si ripresenta al pubblico in veste di artista dopo un lungo intervallo dedicato alla ricerca e alla scrittura. 

L'allestimento comprende sculture, dipinti e disegni di recente produzione, fra cui spicca un'opera su carta di grandi dimensioni, che vede materializzarsi un puzzle di sessanta autoritratti organizzati in un piccolo esercito pronto a invadere l'intera parete, moltiplicando nella coscienza dello spettatore l’effetto straniante di uno sguardo disincantato, malinconico, pietoso o accusatorio.

Testo critico a cura di Barbara Galati

L’UNICO MODO PER METABOLIZZARE ME STESSO

di Barbara Galati

Cosimo Piediscalzi è uno Scrittore prima di tutto e sopra ogni cosa, ma lui per punirsi dipinge, si proprio per infliggersi una pena! Perché a suo dire la pittura esprime solo la sua “anima” imperfetta.

“Ho smesso di dipingere, in poche parole come sempre ho cambiato pelle ricadendo nell’eterna mia doppiezza espressiva; e ho avvertito il bisogno di rinunciare alla pigrizia tipica della pittura per tornare ad esercitare i neuroni: in poche parole è morto il Piediscalzi pittore per la centesima volta; dando spazio al Piediscalzi che scrive, che studia, che cerca, ecc...”

Ma è proprio in questa fase che il Piediscalzi rimarca il suo dislivello creativo, divario che si crea tra il pensare-scrivere e il pensare-dipingere.

“Per questo ogni mattina svegliandomi io benedico un milione di volte la Scrittura! Che pare rispettarmi ed essermi più amica della pittura”.

Egli infatti, con modestia e disperazione, prende atto che la sua pittura spesso fallisce, un fallimento relativo alla mancata simmetria tra la sua mente e la mano, tra i suoi pensieri e i mezzi pittorici, tutto quindi viene ricondotto e spiegato attraverso questa sua peculiare imperfezione.

“Ciò che spesso penso o ciò che scopro, ciò che so o ciò che sento; fruisce quasi ottimamente tramite la scrittura e malamente mediante la pittura.”

Ma la cosa più assurda di questa doppiezza nasce dal fatto che se si chiede a Cosimo Piediscalzi di parlare di sé stesso a parole, lui non ci riesce e si perde nei meandri di una consapevole descrizione. L’unico modo che egli ha per enunciare se stesso, le sue manie, le sue idiosincrasie, il suo carattere e le sue emozioni è paradossalmente l’Autoritratto.

Cosimo, in questa scrupolosa descrizione di sé, indulge nella cura quasi maniacale del dettaglio, si descrive adornandosi con grande ricercatezza, mostrandoci peculiari dettagli della sua personalità. In tal modo la soggettività dell’individuo, rappresentato attraverso l’autoritratto, costituisce il punto di riferimento da cui deve partire la riflessione sulla ricerca dell’Io. Piediscalzi diventa in tal modo il narratore di quest’autobiografia la cui trama si snoda attraverso le pagine del suo “Diario visivo”. Il disegno è rapido, amaramente ironico e si consuma dentro un puzzle di facce dalle vicende paradossali che si risolvono nella “pulizia” di un solo foglio, enorme e bianco. Così il suo diventa una sorta di racconto per immagini, dove il ritratto finisce per sostituire le frasi e il bianco funge da pausa narrativa. Su tutto aleggia un’aria di privazione: il disegno è privo di colore, il colore privo di disegno, la mostra priva di spettacolo, retrocedendo così a ritroso su se stessa, fino a manifestare la sua semplice possibilità. Il suo è un universo accogliente e intimo dove permangono le emozioni e le libertà dei bambini, dove si conserva intatto l’approccio apparentemente innocente ma crudelmente cinico e provocatorio della fanciullezza. Tutto questo non si limita alla descrizione di sé, ma appare come una decostruzione dello stereotipo attraverso il suo stesso simulacro.

E nonostante la sua vera natura lo porterebbe e lo porta puntualmente più allo studio di materie quali la fisica, l’astronomia, la cosmologia, la scienza, traghettandolo lo stesso e sempre verso la poesia: il suo vero mestiere. E ora ritorna dopo una pausa a dipingere, nuovamente.

“Ma al solito tutta la mia impronta personale, liturgica, mistica, perchennò paranormale che credo di aver conquistato, non collima ancora una volta con il disegno.”

Così, all’interno di questa mostra ritroviamo quell’uso sporco dell’espressione, cui era molto legato in adolescenza. Ritroviamo il frutto di nuove tensioni che sono nuove ricerche e nuovi ambiti: la mistica, il trascendentale, il colloquio cosmico con dio, l’ascesi, l’analisi, la preghiera, il sovrannaturale, l’archetipo…

“E in più per fuggire dal disegno in sé sto cercando di ri-tornare ad un altro mio vecchio amore: la scultura.”

Vi è l’esigenza disperata e liturgica di includere nel proprio lavoro di singolo l’Altro e il Tutto, inteso come soggetto che concorre al compimento dello stesso lavoro, in cui la realtà non è rappresentata ma provocata dall’artista stesso.

“Guardo i mondi senza di me, ma appunto le cose tramite un diario d’inferni privatissimi”.

Egli riesce solo come pittore a metabolizzare se stesso.

“Io sono Eukaryota. Infraphylum e gnathostomata, sono una cosa ma non fino in fondo: Euarchontoglires e ànemos. Sono lo squallore della carne comune, il software che crea occhi auto-speculativi. Io sono un mezzo fino a Dio: pnéuma elettrico con una varietà di Spin preferenziali, io sono sufficiente nel tempo che si frantuma in driver: a ciascun bit il suo. Io sono una creatura che nella terra non ha originato che passaggi: varamenti e dubbi. Sono un computer ubiquo…”

 

Underdogstudio è un piccolo spazio operativo per le arti figurative. Situato nel centro storico di Modena, si propone come punto di raccolta delle energie creative che vivono ai margini dei circuiti ufficiali dell'arte.

L'attività artistica indipendente promossa dall' Underdogstudio prende il via con "Opening!" collettiva a cura degli artisti in mostra e fondatori dello spazio, visitabile dal 18 settembre fino al 10 ottobre 2010.

 

 

Vi aspettiamo!